艺术创作观点

        我自幼研习油画，在美术学院学习期间，主修专业也是油画。但中国画也对我影响很深，毕竟我是在中国的文化背景下成长的。不过如果我同时系统地学习油画和中国画，那样不见得会成功，至少在观念上肯定会矛盾，因为两种绘画体系在思维观念和绘画技法上有许多相悖之处。而正因为我系统地学了其中一种(油画），就对另一种产生探究精神，因此在美院求学时我也选修了中国画，因此，我的艺术发展过程中一边保留着西方油画的创作方法，一边也结合了中国画和书法。我常把油画和中国画的创作观念和技法进行融合互补，它们的碰撞会呈现出一些新的效果。

   比如说，在青铜器、京剧系列等油画作品中，我融入了中国画里的灵魂——气韵，通过笔势交际、意象神韵、主观色彩、构图布局等方法将“气韵”精神融贯到油画创作中去。我的京剧系列中运用了中国古代壁画和民间艺术中，浓烈的色块对比，也运用到中国画中常见的泼染、浸染的方法。我也喜欢进行中国水墨的创作，我在宣纸上画水墨时也会运用油画的丰富色彩层次，冷暖的对比，明暗结构，以及现代构成的一些形式。这样的中西方观念和技法的融合逐步形成了我的个人绘画风格。

   东、西艺术的交流与融合是艺术界讨论了一百多年的话题，近代以来，东、西方的艺术家们也一直在互相影响和交流，在当今步入全球化的时代，众多艺术家们也积极地参与到全球化的进程中。作为艺术工作者的我自然也不例外。东、西方艺术的对话交流涉及到意识形态，文化背景、信仰等诸多问题。很多人会思考的是在这过程中，是否需要保存一部分东、西方艺术的主体性不变，还是顺其自然地让它们去对话、消解、互融，未来的艺术发展向何处，没人可以预见，只能在不断的实践探索中得到验证。

       我的每一阶段创作，都在试图建构、解读、表达个体在生命中的经验和情感。也在传达着我的艺术哲学：就是我一直通过艺术创作来表达自己对生命、信仰、文化环境以及社会的思考。而创作风格的改变是为了题材和形式的需要，只要能合适地表达，创作手法可以多样。现当代艺术创作的一个现象，就是不论创作何种风格类型，各种材料都是可以融合运用的，这便解放了材料对创作的限制。

作品描述Description of works

Susan,  materials :Oil on linen,  Year produced:2009,  Height/Width/Depth : 84 x 80 x 4 cm

画面中是一个有着空洞黝黑的大眼睛的女人。她的眼睛传递给人的东西，也是忧郁，直白，孤独，需要，无助。 SUSAN的眼睛象一面湖水，鸟巢似的头发配她瘦削的下巴，看上去有点象只鸟。这副画有我自然画进去的东西，也许她的面孔里面有我自己的生命情感吧，看了画中人后，我想每个人感受到的东西，并不会都是我企图传达的，每个观众也都是创作者，用他们的理解继续创作着这幅画。之所以把眼睛画这么大，是想让你看到她的灵魂，但眼睛黑幽幽的深不见底，也不会让你那么容易地领悟到她的心，看久了，也许会被这双眼睛看到你的心。

翅膀Wings  materials: Oil, acrylic on linen , Year produced: 2010,  Height/ Width/ Depth : 113.5x59 x 4cm

她的两只隐放在背景后的手，象萎缩在背后枯干的翅膀，我画的时候想到的是折翼的天使。画面近似单色，除了脸上的绯红和抹胸的绿。背景的深色(生命的过程如在漆黑的路上走着,偶尔透着一点稀薄的光线)流淌到她的身上，"翅膀"放在暗黑的背景里。她的眼神忧郁、无奈、迷离、呆滞。她给人感觉并不是我们理想中洁白纯净的天使，也许她从小幻想成为天使，但成长的背景和经历使她与梦想越来越远，满身的创痕如何走入天堂呢？即使还有翅膀，也不能象天使那样飞了,她不愿玷污梦中天使的圣洁，但从她麻醉的瞳孔和脸颊的绯红里面，仍有一小块对理想世界的恋惜和向往。在这个世上, 即使风尘中的沙子，也有梦想的权利。

蝴蝶 Butterfly,  materials :Oil on linen , Year produced:2010,  Height/ Width/ Depth : 127 x 80 x 2 cm

画面中右边的女孩脸上晃动的五官,模糊的重叠,单色调,殷红的嘴唇,都在传递一种暧昧和社会对她们的不确定性.背景是我常用的深邃的暗色,黑会使人产生暧昧神秘的联想,同性恋的生活在中国人意识里，仍是带有神秘色彩的，带着神秘感的情欲。崇高和世俗，往往都很脆弱，我们何不把它们归置于生命的情感经验，让它们自生自灭呢？

午餐  Lunch,  materials :Oil on linen , Year produced:2007,  Height/ Width/ Depth : 110 x 150 x 3 cm

几个普通的劳动者，拾荒者聚在一起在吃着午饭。他们每天在工地上干着繁重的体力活，或打着短工，或走街串巷地拾荒，他们是城市的建设者，城市垃圾的清道夫，用汗水让城市发展着，并清理着人们丢弃的垃圾。他们付出很重的体力，却吃着简单的饭菜，但脸上还显出满足、淳朴的笑意。

《广场》 165×155cm 油画 2004，获“庆祝建国55周年第十届全国美展湖北省展”佳作奖；第九届“楚天群星奖”，作品编入《第十届湖北省美术作品展览作品集》；《纪念改革开放30周年画院创作研究成果作品集》。

这是一群在中国的农历新年之前的几天，聚集在火车站广场，准备回家过新年的进城务工者。他们的身份，回到农村是农民，进城就是工人，所以在中国，也叫他们“农民工”。他们常年离开家乡，在外地打工挣钱，再把钱寄回老家盖房子，有少数也留在了城市。中国城市的建设，“农民工”做了很大的贡献。

戏剧系列-炫舞 Drama series-Dazzle,  materials : oil, Acrylic on linen , Year produced:2009, Height/ Width/ Depth : 139 x 180 x 4.5 cm

京剧是中国传统艺术的主要代表，在2010年11月被列入联合国“人类非物质文化遗产代表名录”，我认为京剧艺术不应只放在博物馆里供人们瞻仰和怀念，在当今瞬息万变的社会中，同样需要发展与创新。于是我在2009年开始创作《大京剧》系列作品。这个系列使我为积累了多年的思想、情绪、色彩找到了爆发点。《大京剧》系列延续了我对东方文化符号的表达和探索。我改变了大多数画家描绘京剧人物时，用静止的人物摆一个造型的方式，我把角度放在人物神态、服饰、动作与光影之间产生的感受上，借鉴DV镜头映像的视觉效果。用“动态的手法捕捉不容易捕捉到的发生”、用“五彩斑斓”的动感色彩，把中国京剧里的英雄角色描绘出飒爽英姿、惊艳炫目的气势。

中国京剧系列作品是属于具有典型的中国文化背景的，我觉得它不太适合简单地用具象写实的手法表现。我们中国的绘画、戏曲、太极和中医等文化形态始终贯穿着道法自然的精气神。意在笔先，注重神韵是更符合京剧本有的气质的。在创作京剧题材之前，气韵神采应自在心中酝酿集聚，并不需要对草图反复地修改，心到手到笔到，气贯始终。

在用油画创作时我融入了中国画里的灵魂——气韵，通过笔势交际、意象神韵、主观色彩、构图布局等方法将“气韵”精神融贯到油画京剧人物中去，创作出来的作品既保存了西方绘画尊重客观自然的特点，又有中国绘画气韵生动的精神，这样创作出来的画作往往是先能打动我自己的，我相信，先能打动自己的作品，才能感染观众。

戏剧系列-东风破Drama series-East wind breaks,   materials: Oil, acrylic on linen, 

Year produced:2009,  Height/Width/Depth : 182.5 x 46(×4) x 2 cm

这是一组4联画，表现的是中国京剧里著名的4位女将军。我运用了分割构成的方法，每单幅画只取一个人物的其中一部分，然后组合成一幅完整的京剧群像，他们之间的构图搭配互有关联。我在画作中借鉴了中国古代壁画和民间艺术中浓烈的色块对比，以及中国画泼染、浸染的方法，为了加强画面的动态视觉冲击力。我在中国经常去欣赏京剧演出，在观看演出时，整台演出的故事情节曲转回肠，引人入胜，而人物的动作、光影、神态、戏服、精彩的演唱等因素会让演出的艺术性得到更大的升华，这些“现象”在演出结束后在我的记忆中自行汇结成一个完整的印象，首先感染了我，也激发了我的创作欲望，之所以足够激发创作欲望我想是因为整体的现象比单个现象更强烈。我会把一些瞬间捕捉到的灵感勾勒出草图，而这些草图就已经开启了创作。一场戏看完需要两小时，而灵感的出现有时候仅仅只需要巧妙的一瞬间，灵感应该是被某种真切的东西触动，可能在那一瞬间我心里的那双眼睛会比我的双手更快地抓住了它，那么在之后的创作中，我就会将画出的草图通过更深入细腻的构思和手法描绘出来。

大武生Drama series-Wusheng, materials: Oil, acrylic on linen, Year produced: 2016,  Height/Width: 95 x 120 cm

武生是戏剧中擅长武艺的角色，这幅画中描绘的是京剧中一名装配着铠甲，戴着头盔的古代大将，他舞动着长柄刀在战场上旋转跳跃，气势雄壮。武士穿戴的戏服看上去很繁重，但他的身姿却灵活自如。我在现场观看过这出京剧，我觉得他的功夫优美、稳重、沉着，表现出了大将风度和英雄气魄。在这幅画里，我抓住他即将转身跳跃时的一瞬间，铠甲和旗帜随风张开，长长的胡须被风带起，铠甲图案的颜色在灯光下炫目飞扬，画面上整个人物呈金字塔的构图，在动感中不失稳定。这一刻演员的前方面对的是黑暗的观众席，而我想象中仿佛黑暗里有千军万马向武士奔涌而来，又如面对黑暗大地的涌现，武士立于大地之上并在大地之中，我在画的时候也如同置身入画里，和武士一起把沉默锁闭的大地带入敞开、色彩幽深的热烈之中。

（大武生是画作的题目，意思偏于概念化的 京剧中对角色的特定称呼，武生戏。在里面又写做武士，是把他电影化了，人物化了，用起来更生动）

戏剧系列-青衣 Drama series-Qingyi materials: Oil, acrylic on linen, Year produced: 2015,  Height/Width:79 x106 cm

这幅画描绘的是一位正在唱念的青衣，青衣是中国戏曲中旦行的一种，中国北方剧种多称青衣，南方剧种多称正旦。因所扮演的角色常穿青色褶子而得名。扮演的一般都是端庄、严肃、正派的人物，大多数是贤妻良母，或者是贞节烈女之类的人物。表演特点是以唱功为主，动作幅度较小，行动比较稳重。典型的代表如《白蛇传》里的白素贞。

我并没有把画中的戏曲人物的五官画出来。我把人物的脸部，和人物形态、服装，背景都用中国画里的写意的表现手法呈现出来。在中国艺术里，写意是重要的观念，绘画中的写意是很注重气韵的，是更符合京剧表演本有的气质。

    我在用油画创作这幅作品，通过吸收中国画的笔势交际、意象神韵、主观色彩、构图布局等方法将“气韵”精神融贯到油画京剧人物中去，创作出来的作品既保存了西方绘画客观造型的特点，又有中国绘画气韵生动的精神。

MAKYEAME  materials: Oil on line,  Year produced: 2014,  Height/Width/Depth: 70 x 60 x 2cm

玛吉阿米是六世达赖喇嘛仓央嘉措的情人，他们的爱情故事在西藏流传了几百年。我画的是这位美丽的藏族女子苍老了以后的样子，她眯缝着眼看着前面，仿佛今生已接近终点，远处的佛光招引着她走向来世，与她的情人相聚。

大约在几百年前的某个星月之下，坐落在古城拉萨八廓街东南角的一幢藏式酒馆里，来了一位神秘人。他看似普通，却是一个不寻常的人。恰巧这时一位月亮般纯美的少女也不期而至，她那美丽的容颜和深情深深地印在了这位神秘人的心里和梦里。从此，他常常光顾这家酒馆，与这位月亮姑娘相会。那位神秘人物就是六世达赖仓央嘉措，后来格鲁派佛教严禁僧侣结婚的教规却阻隔了他和姑娘相见。至高无上的地位并没有淡化仓央嘉措的爱情，他无时不在怀念他的恋人。为爱情的自由，凡人可以逃亡，小喇嘛可以还俗，只有他，作为达赖佛教第一人，无处躲，也无处逃。为了阻止仓央嘉措，一些当地的宗教势力派人杀死了玛吉阿米。为追忆这位月亮少女，仓央写下了一首首充满眷念和忧伤的情诗：

 “在那东方高高的山尖，每当升起明月皎颜，那玛吉阿米的笑脸，会冉冉浮现在心田。”

第一最好是不相见，如此便可不至相恋。 第二最好是不相知，如此便可不用相思。

“自恐多情损梵行，入山又怕误倾城。世间安得双全法，不负如来不负卿”。

藏文“玛吉阿米”的意思是：“玛吉”为未生或未染，可解读为圣洁、无暇、纯真；“阿米”是“阿妈”，原意为母亲。在藏族人的审美观中，母亲是女性美的化身，母亲身上浓缩了女人内外在所有的美。因此“玛吉阿米”的全意是：圣洁的母亲、纯洁的少女、未嫁的姑娘或可引申为美丽的遗梦。

自在  At ease,  materials :Oil on linen,  Year produced:2019, 

Height/ Width/ Depth : 81 x 65 x 2.20 cm

获2019年“美国油画丙烯画协会国际在线大奖赛”优秀奖；入选2012年西班牙“从塞维利亚到中国：委拉斯凯兹绘画雕塑大奖赛”。

有一年我去西藏旅行，在拉萨的大昭寺外面看到几位坐在椅子上歇息的藏民，我感受到他们的脸上有一种专注、虔诚的神态，和自律、凝重的气息。

他们仿佛在聆听某种声音，看似专注于外境，但手中经轮和念珠一直相续，由外及内，动静结合，意境深远，产生此时无声胜有声之意境。这个场景触动我的心灵，我感受到信仰和神在他们和我的心中同在，这便是我创作这幅画的灵感所在。

盛宴 Feast,  materials :Oil on linen,  Year produced:2010, 

Height/ Width/ Depth :162 x 113.5 x 4.5 cm

画面中呈现的是中国古代的青铜容器：爵，鬲，簋，敦，尊等，以及现代的玻璃酒杯，可口可乐瓶，人头马X.O酒瓶等器皿。我试图表达的是，无论是是古代的容器，还是现代的器皿，其功能都是装盛饮料或食物，它们因形式不同由不同的质料构成，而我把它们的表象处理成近似的质感。我们可以预见，几百年后，现代的器皿也都会成为色彩暗淡古旧的文物了。我们在这一时期的当代文化，就是未来世界的古代文明，我想做的是用绘画方式揭示它们实体性存在。

火腿Ham,  Materials :Oil on Wooden plywood，Year produced:2005，

Height/ Width/ Depth : 60 x 70 x 0.5 cm

在现代人类的生活中，工业化生产极大地丰富了人类的生活资料，人类通过对地球的控制在不断刷新和满足存在感，我画的是一个通过技术和机械化的流程制造的肉内食品——人们餐桌上常见的火腿。之所以画它，是因为它是我生活中的东西，也是工业化生产给我们带来的有代表性的生活资料。我们生活的时代给了我们这个世界各种图像，有些事物随着时间的推移和视觉的重复，成为生活中平常的事物，在技术主导的时代，人们的经验意识到的往往是事物的有用性，而忽视它的存在性，这种本质的存在却是能激发我的灵感的对象，让我产生以绘画方式揭示物象实体性存在的强烈诉求。主观意识的产生在事物本身，我习惯以自己的直觉经验去细细揣摩对象，然后使一些在平时生活中不会被选为刻画对象的物体变得具有灵性，让它能传达画布背后的情感，用色彩传递一种人类心灵可触及的神秘之景。绘画过程中，通过不断地在画布上积累起的视觉体验,  让画面具有一种亲切可触摸的真实感而同时又具有某种神秘感。现实那么复杂，存在很多神秘的东西，看不见，或者一眼看不透，有时感觉到了可又抓不住。但是，眼见的东西好歹能扑抓到，能使质朴自然的感情一直保留。一块真空包装的火腿，随着时间的推移也会变质，不同的光影会带来不同的变化，最为重要的是描绘瞬息万变的对象的外表,与真实的对象原型吻合一致,通过这些来达到主客观上的一致,并将事物的瞬间永恒记录在画布上，这时吸引我的只剩下作画的过程，和我想传达的写实背后的精神内涵。

无相观音Phaseless Avalokitesvara,  Year produced: 2017，Materials :pigment for Chinese painting on Korean paper，Height/ Width/ Depth : 70 x 50 x 0.1cm

这幅画里我运用了中国画泼染、浸染的方法，并融入了中国画里的灵魂——气韵。通常认为，中国的古代绘画中蕴含着一股神秘的“气”，谢赫在《古画品录》中提到绘画有“六法论”，其中排在第一位的就是“气韵生动”，我通过对中国艺术的寓“意”之“象”、自然万物归化于心的思考，来表达作品内在的精神信息和我的审美理想。

这幅“无相观音”作品，是从佛教教义出发，以“众生皆佛”的理念创作，不执着于佛，不执着于相。因为众生无量无边，所以看到佛的相也是无量无边，更因每一个众生的境界不同，见到的相便不同。《金刚经》里有句话是这么说的，“凡所有相，皆是虚妄。若见诸相非相，即见如来”。佛家讲究的是放下执念，求佛心里找，相由心生，佛不生法相。这就是为何人们都称它为“无相观音”，也是创作“无相观音”的灵感来源。

四臂观音 Shadakshari Lokeshvara (Chenrezig),  Materials: Pigment for Chinese painting on Korean paper，Year produced: 2017，Height/ Width/ Depth : 70 x 50 x 0.1cm

这幅画里我运用了中国画泼染、浸染的方法，并融入了中国画里的灵魂——气韵。通常认为，中国的古代绘画中蕴含着一股神秘的“气”，谢赫在《古画品录》中提到绘画有“六法论”，其中排在第一位的就是“气韵生动”，是指以生动的“气韵”来表现作品中刻画的形象或作品整体的生命和精神，表现物态的内涵和神韵。在作品中我通过对中国艺术的寓“意”之“象”，结合四臂观音通达法性，救渡众生出离轮回的象征，以写意的手法来表达佛教寓意与“气韵生动”的审美理想之间的精神联系。

四臂观音白色的身体代表清净无瑕，前两臂合掌当胸，代表净化一切烦恼。四臂观音是雪域西藏的守护神，藏人由老至幼家家户户，皆吟诵其六字大明咒:“嗡嘛呢叭咪吽”。广大藏蒙佛教徒还把达赖喇嘛奉为观音化身, 四臂观音与文殊菩萨、金刚手菩萨，合称三族姓尊。代表大悲、大智、大力，为密乘行者人人必修的法门。

对我而言，创作每幅油画都是一次个人的旅行。当我在创作时，“我”似乎也消失了，个体融入创作中。 创作的过程充满了未知。因为每天的我是不同的。我无法用语言来形容我的作品，我希望观众用视觉去体会，我的作品会在几秒内抓住观众的注意力”。